Picasso seguía aislado en París y despreocupado por el arte nuevo. En 1906 sufre una serie de cambios experimentales. Inicia una estilización que le lleva a los orígenes del primitivismo mediterráneo. Ese fondo de raíces ibéricas primitivas es el que irá saliendo en sus obras de este año y el próximo.
Respecto al deslizamiento hacia el primitivismo, despiertan interés algunos de sus retratos. La pintura es transfigurada por un primitivismo que deforma los aspectos fisonómicos más evidentes. Para Picasso, este retorno a lo primitivo significa remontarse a unos orígenes y en profundizar en el gusto por lo antiguo. La brusquedad, el desprecio de lo refinado, la inclinación por las deformaciones, etc, son los valores que le atraían. A comienzos de 1907 Picasso sigue cultivando este movimiento, pero su figuras pierden plasticidad y se vuelven más esquemáticas y simples. En esta época el desnudo sigue siendo el tema más abundante en sus obras. Entrando en competencia con las obras de Matisse y Derain, Picasso realiza el óleo Las señoritas de Aviñón, considerada por algunos como la primera obra cubista. Era una obra que permanecía escondida, hasta que en 1916 decidió mostrarla al público.
La génesis del cuadro fue muy laboriosa. Picasso parece perseguir la fealdad ideal quebrantando todos los canones. Su primitivismo es ahora el de un retorno a la naturaleza salvaje del burdel. Tras una realización del cuadro larga y accidentada, esta obra quedó colgada en el estudio de Bateau-Lavoir. Matisse y Derain las juzgaban de locas o monstruosas. Sin embargo, ésta y otras obras seguían colgadas en su estudio. La crisis del grupo fauvista y la revaluación de Cézanne llevan a la escena parisina a una cierta confusión. Derain y Braque siguen a Picasso, y las relaciones entre los seguidores de Picasso y los de Matisse se vuelven más tensas, haciendo que Matisse se aleje cada vez más de los círculos vanguardistas.
Braque continúa realizando paisajes fauvistas, pero la impresión que le causan las acuarelas de Cézanne le incitan la transición del fauvismo al cezannismo o también llamado ‘estilo protocubista’. Tras el desconcierto con Las señoritas de Aviñón, el primitivismo de Picasso se vuelve más expresionista y colorístico. La figura y el espacio son sometidos a unas triangulaciones exageradas. Entre 1907 y 1908, Picasso se siente inmerso en un periodo de experimentación que inclina hacia un cruce entre el cezannismo y los colores planos de Matisse. Todo parece estar construido con mucha precisión a base de ángulos rectos y agudos, triangulaciones y varias perspectivas.
Braque vuelve a París y visita el estudio de Picasso. Tras contemplarlo, éste se pasa al bando picasiano. En el dibujo Mujeres se ven los comienzos cubistas de Braque y la influencia de Picasso en su forma de tratar las figuras. En las obras que realiza durante el mes de agosto, se efectúa la cambio respecto al naturalismo de una manera que la arquitectura en el paisaje se convierte en la arquitectura del paisaje. Se alteran las perspectivas habituales y se renuncia a los colores brillantes fauvistas, utilizando ocres marrones y amarillos, y verdes y grises.
La aportación que Picasso da al cubismo son las composiciones con figuras, como se puede ver en Tres mujeres. Su creación no es lineal sino que retrocede a través de entusiasmos y sobresaltos. El proceder cezanniano proviene del tratamiento a que somete el paisaje y las naturalezas muertas, decantados al contacto físico y comprensivo de los desnudos. A finales de 1908, Braque y Picasso estrechan su amistad, intercambiando sus puntos de vista.
El cubismo analítico es una de las primeras fases de este movimiento, en la que se parte de la observación de la realidad para proceder a su destrucción. Los paisajes de Braque y Picasso se les consideran como las primeras obras de esta fase, centrándose en el análisis de los objetos y reuniendo en una imagen la visión desde distintos ángulos. Cuando Braque se instala en París, pinta unos cuadros que toman como motivo instrumentos musicales.
El paso hacia el alto cubismo, o cubismo hermético, se produce durante la estancia de Picasso en Cadaqués. Para suavizar la difícil compresión de sus obras analíticas, Picasso y Braque comienzan a dejar ‘claves’ en sus cuadros. Estos introducen detalles figurativos y esquematizados para comprenderlos mejor. También nos encontramos en esta etapa con imitaciones de letras y cifras, lo mismo que con imitaciones de los materiales como la madera y el mármol. Pero la composición cubista seguía siendo muy clásica y centrípeta. Una de las mejores aportaciones de Braque es el vaciado del centro del cuadro y la inclinación de su carga compositiva hacia los bordes, es decir, tendencia hacia una composición centrífuga.
En la fase sintética del cubismo se da un nuevo paso. Estando en París, Picasso descubre el collage, o también Papier collé, donde los fragmentos de realidades cotidianas se integran en el contexto del cuadro. Sobre la superficie se pegaban papeles, telas y otras cosas. Las técnicas cambian, se trata de añadir y construir. Todos los fragmentos pasan a ser parte de un conjunto. El cubismo sintético parece menos abstracto que el analítico.
También cabe destacar en el movimiento cubista a Juan Gris, que se integra en el círculo español con Picasso. El año 1912 es el más importante de su carrera, en el cual realiza exposiciones y presenta varias de sus obras . Gris también explora el papier collé, siendo sus obras más complejas que las de Picasso y Braque. El estallido de la primera guerra mundial supondrá el final de la colaboración entre Braque, Picasso y Gris, dispersando a los seguidores del cubismo que se encontraban en París.
DADAÍSMO
Este movimiento inaugura una nueva forma de pensar, en la que se lucha contra todo lo preestablecido. El dadaísmo nace en Zurich en 1916 con la apertura del Cabaret Voltaire. Sus dueños entraron en contacto con el poeta Tzara, que con sus obras, era el principal animador del Cabaret. En 1917 aparece la revista Dada, breves crónicas que ofrecen ya unas claves sobre las intenciones de un movimiento que está creciendo. Ahora domina el azar, que da como resultado obras incomprensibles y sin orden aparente.
Una de las figuras que cabe destacar es Hans Arp, que se incorpora al dadaísmo suizo y alemán. Éste participó en la velada dadaísta de Cabaret Voltaire. Mostraba serenidad y un humor sencillo. Apuesta por el arte abstracto y lo interpreta de una forma muy peculiar. En los relieves descubrirá un mundo de fantasía, a través de las cualidades estéticas de la madera, la belleza de las formas recortadas mediante trazos simples, los contrastes entre colores puros e intensos o entre figura y fondo, y la eliminación del marco.
Otros artistas importantes también lo fueron Sophie Taeuber, mujer de Arp, y Marcel Janco. En 1918, Tzara lanza Manifiesto dadá, en el que se reafirma en su estética del caos y la destrucción, llevando todo a la espontaneidad, la náusea y la libertad dadaísta.Pero el rebrote dadaísta no dura mucho tiempo y se divide en dos tendencias. Una parte de sus miembros permanecen en torno a Arp y Janco, y otra parte junto a Tzara. En 1919, Arp y Tzara tienen un duelo entre ellos, pero a finales de este año concluye la aventura dadaísta en Zurich.
En Nueva York, el dadaísmo tomó varias trayectorias. Algunos de los artistas más importantes son Francis Picabia, Man Ray y Marcel Duchamp. Picabia en sus obras trata máquinas que se burlan de la ciencia, haciendo referencia a lo erótico. Su pasión por el automóvil despierta su pasión por el movimiento y las formas circulares. Sus obras derivan hacia composiciones abstractas, que fluían junto con sus obsesiones por liberar a la poesía de las dependencias semánticas del lenguaje y mezclarla con lo visual, es decir, los poemas visuales.
Man Ray es la figura americana más próxima a los dadaístas europeos. En un periodo inicial explora el collage, pero una año más tarde deja la pintura y se dedica a la experimentación con la fotografía.
Duchamp, en 1917, realiza la obra Fuente, la cual fue rechazada en distintas exposiciones por ser absurda. Con esta obra, se quiere poner entre paréntesis los aspectos funcionales y someterlos a una descontextualización que crea un nuevo pensamiento para ese objeto. Su obra Rueda de bicicleta es considerada como el primer ready-made, es decir, un objeto cotidiano convertido en obra de arte por la voluntad del artista. Desde entonces hasta 1921, Duchamp sigue presentando varios ready-made. Una de sus obras más importantes fue el Gran Vidrio, la cual dejo inacabada.
POSTEXPRESIONISMO
En 1925 se celebra la exposición ‘La nueva objetividad’. Ya el expresionismo se considera superado por unos pintores que se habían iniciado en él. Este ‘postexpresionismo’ tiene como rasgos una nueva fidelidad del dibujo del objeto, composición estática muy estructurada, aislamiento del objeto, precisión y sobriedad en la representación, eliminación de las huellas del proceso artístico y una mirada liberada de emociones.
En oposición con el de Munich, se encontraba el grupo de Berlín, al que pertenecía George Grosz, Rudolf Schlichter y otros. Grosz, protagonista del dadaísmo y el expresionismo, en su transición a la ‘nueva objetividad’, no se le borraran las huellas de esos ismos. Grosz también realiza otras pinturas con la zona intermedia y más neutral de la nueva objetividad. Otros grupos también fueron importantes, como el de Hannover, Colonia o Dresde.
Otro de los artistas de este movimiento es Otto Dix. En sus retratos se aprecian todavía huellas de un expresionismo irónico. En Berlín, se le abrirá un periodo objetivista en su pintura, y alcanzará la fama retratando a personajes del momento. Max Beckman era otro artista postexpresionista cuyas obras transmitían una visión pesimista de la sociedad.
ARQUITECTURA DEL S. XX
Una de las figuras con mayor influencia en la arquitectura del siglo XX es el arquitecto Adolf Loos. Dicha influencia será decisiva en los arquitectos contemporáneos. En su obra ‘Ornamento y Delito’ declara la guerra al ornamento y propone liberar el espíritu del hombre moderno. Según él, las ciudades sin ornamento se verán limpias y claras. El ornamento es desperdiciar trabajo y dinero.
En su arquitectura predomina la desnudez como por ejemplo los muros blancos, líneas y ángulos rectos, materiales pulidos sin recubrimiento alguno, etc. Sus interiores son diferentes, con variedad de colores, materiales y texturas. Toda esta arquitectura lleva a un mismo objetivo para el que es necesario liberarse de toda contaminación anterior.
Adentrados en el movimiento futurista, Marinetti exalta la belleza de la máquina, como símbolo de velocidad, peligro y revolución. El arquitecto Antonio Sant’Elia con sus dibujos, avanza ya algunas visiones concretas de la ciudad como los puentes, aeropuertos, etc. Estas visiones son una síntesis de las artes y la técnica en una arquitectura con una fuerte carga romántica. Estas influencias del movimiento futurista en el arte y la arquitectura intervendrá en el desarrollo de las vanguardias.
En los textos de Paul Scheerbart describe una serie de visiones de arquitecturas cristalinas, que tienen que ver poco con el concepto que tenemos hoy de la arquitectura de cristal, pero sirvieron para entender el significado de este material en muchos aspectos. Estas visiones se oponen a la arquitectura funcionalista. Scheerbart decía que para que la cultura avanzase, también lo debería hacer la arquitectura, consiguiéndose, según él, con la arquitectura de cristal.
Bruno Taut toma la obra de Scheerbart como fuente de inspiración, construyendo el Pabellón de Cristal. Este edificio mostraba las posibilidades constructivas del vidrio. El expresionismo que desarrolló este arquitecto se corresponde con unos de los momentos más brillantes de la arquitectura moderna. Para arquitectos como Gaudí, Wright y otros, la idea de ‘orgánico’ suponía una reconciliación entre el hombre y la naturaleza. No obstante, otros usan esta idea con una visión hacia la nueva era maquinista, como es el caso de Erich Mendelsohn. Este arquitecto presenta en su primeros bocetos una arquitectura parecida a la de los futuristas pero menos elaborada. En sus dibujos considera la obra arquitectónica como algo aislado sin nada en lo que apoyarse. Sus primeros contactos con los pintores expresionistas son esenciales para comprender sus bocetos. Mendelsohn no sentía miedo por la amenaza de una sociedad mecanizada, y asumió con optimismo la nueva era de progreso. Su arquitectura llega a ser considerada como ‘arquitectura anuncio’, ya que para él la persona se ha convertido en un elemento receptor y participante en el mundo que le rodea.
El movimiento artístico que se crea en torno a la revista De Stilj será fundamental en el desarrollo del arte y la arquitectura contemporánea. Theo van Doesburg, su fundador, actúa como agrupador de distintas tendencias y personalidades, cuyo papel es el de un promotor de la vanguardia. Respecto a los objetivos generales de este movimiento, podemos decir que los neoplasticistas rompen con el pasado y la historia, rechazan la angustia metropolitana y niegan la individualidad como forma de expresión en la pintura y su integración en la arquitectura. El arte neoplástico se limita a los elementos básicos y a las relaciones establecidas entre ellos. El objetivo de este arte es la abstracción. En el neoplasticismo llevan la cultura de la máquina más lejos de lo que lo hicieron los futuristas y los constructivistas. Las realizaciones de este movimiento en la arquitectura han sido pocas. Van Doesburg se construyó una casa estudio cerca de París, pero no seguía la dinámica espacial promovida por De Stilj. También realizó un proyecto urbanístico de ciudad ideal.
Gerrit Rietveld fue quien llevó a cabo una construcción de arquitectura neoplástica: la casa Schröeder. Piet Mondrian formulará la invocación de un orden universal. En un artículo va a exponer su visión de una ciudad utópica. Esta ciudad es una ciudad universal. Su idea se relaciona con la desaparición de la oposición entre la casa y la ciudad, y la aplicación de los métodos neoplásticos. Lo que lleva a cabo lo considera como una visualización, no una propuesta de futuro. Mondrian lleva la abstracción a sus altos niveles, siendo necesaria una desnaturalización. Esta visión utópica tiene sus orígenes en los medios tecno-científicos.
Refiriéndonos a las vanguardias ruso-soviéticas, la obra del pintor Casimir Malevich tiene un significado especial en este contexto. Su pintura plantea una construcción mental abstracta. Defiende la autonomía del arte y pone de manifiesto en su obra las leyes que rigen la percepción artística. Esta idea del arte como construcción es la base de la transición del suprematismo hacia el constructivismo. La organización y relaciones que se crean entre sí las formas es lo que de verdad importa. Se considera que la arquitectura es el fin al que deben tender todas las artes. Vladimir Tatlin encabezará el constructivismo desde el punto de vista práctico. Su arquitectura es anticipatoria. Tatlin conserva los componentes románticos y simbólicos inseparables a la obra de arte. El Monumento a la III Internacional es un proyecto de Tatlin y tiene todos los elementos ajustados a la nueva situación. Este Monumento se convertirá en el emblema del constructivismo.
El Lissitzky será quien unifique el suprematismo y el constructivismo, y uno de sus papeles será el de enlace con la vanguardia europea. Ginsburg escribirá Estilo y Época, una obra importante para el desarrollo del constructivismo. Éste sigue el modelo de la máquina como principio organizativo, por lo tanto, el arte quedará reducido al diseño artístico de la industria. La Bauhaus, escuela alemana de arquitectura y diseño, fue presentada por Walter Gropius. En ella se le proponía al alumno que se librara de toda carga anterior y diera riendas sueltas a su creatividad a través del conocimiento de los colores y los materiales.
La Bauhaus se traslada a Dessau. Éste introduce varias novedades. En el existen importantes elementos expresionistas y utópicos. Gropius tuvo que abandonar la Bauhaus, proponiendo a Hannes Meyer como sucesor. Meyer se ocupará de la nueva sección de arquitectura. Las actuaciones políticas de éste ayudaron a su destitución, incorporándose como director Mies van der Rohe. Mies convierte la Bauhaus en una academia de arquitectura. En el 1932 el Parlamento decide disolver la Bauhaus.
Frank Lloyd Wright fue pionero en la transformación de la arquitectura moderna. En él influyó un arquitecto, Louis Sullivan, para el que trabajó. A Wright le fueron encargados los proyectos de viviendas aisladas por lo que será un experto en el ámbito de la residencia privada. Su mirada se dirigía a la naturaleza, dejando al maquinismo una función instrumental, para utilizarla al servicio del hombre y de la arquitectura. Wright se opone a la concentración en la ciudad. Antes del siglo XX, había construido muchos proyectos significativos como la Casa Winslow. Estos proyectos van a ir creando un lenguaje que nos llevará al ‘estilo de la pradera’. Las cubiertas se extienden formando porches. En el interior nos encontramos con la chimenea, centro de la casa desde el que crecen los muros y fluyen los espacios abiertos. Wright también creó dos obras no residenciales: el edificio para la compañía Larkin y el Templo Unitario.
La ideología antiurbana de Wright la vemos en su proyecto de Broadacre City, una ciudad de gran extensión y baja densidad. En esa década crea la Casa Kauffman, conocida como la Casa de la Cascada. Su estructura está basada en la idea del voladizo que surgen de un núcleo vertical de piedra. En su búsqueda por un espacio continuo y de forma orgánica, Wright realiza el proyecto del Guggenheim Museum, en Nueva York. La arquitectura de Wright es una arquitectura de horizontes, realiza pocos edificios en altura, pero todos destacan por su innovación y estética, como el diseño de Illinois, un edificio con una milla de altura.
Mies van der Rohe no tuvo una formación académica, sino práctica. En su periodo de formación realiza una serie de casas dentro de la tradición, lo que le da fama entre la burguesía. Mies fue consolidando su posición y prestigio hasta que le llegó la gran oportunidad, el encargo del Pabellón de Alemania para la Exposición Internacional de Barcelona. Con éste mostró al mundo su propia visión de la arquitectura. A este Pabellón le seguirán dos obras también importantes, la casa Tugendhat y la casa de Berlín. Haciendo recapitulación, podemos ver la arquitectura de Mies como un conjunto de elementos: los planos de suelo y techo, una estructura regular de soportes, y unos muros de trazado libre que se extienden más allá de los límites del espacio cerrado. Debido a la política se cierra la Bauhaus y los nuevos proyectos de Mies despiertan menos interés.
Mies se traslada a Estados Unidos. Su obra americana se resume en dos tipos, el edificio horizontal y el edificio en altura. Entre los primeros podemos destacar la casa Farsnworth, el Crown Hall, el centro de convenciones de Chicago, la casa Fifty by Fifty y la Nueva Galería Nacional de Berlín. De los segundos nos encontramos con los Promotory Apartaments, las torres Lake Shore Drive y el Seagram Building.
Le Corbusier constituye una revolución en el mundo de la arquitectura. Este arquitecto busca una estética, una forma y unas leyes desde las que componer su arquitectura. Era autodidacta y su fuente de conocimiento fue la historia. Le Corbusier pretende asentar las bases de la creación arquitectónica de acuerdo con los avances tecnológicos y necesidades de la época. Le Corbusier admira las máquina porque la técnica industrial lleva a una depuración de todo lo accesorio.
Durante la década de los veinte desarrolla junto con su primo Pierre Jeanneret una serie importante de proyectos. Los trazados reguladores son los encargados de dar armonía y orden a la fachada. Le Corbusier tenía una gran habilidad para organizar y disponer objetos que había adquirido de la pintura. La Villa Savoye es la puesta en escena de los principios elaborados por Le Corbusier.
Arquitectura y urbanismo es lo mismo para Le Corbusier. En su propuesta de ‘Una ciudad para tres millones de habitantes’, trata una ciudad generada a través de una rígida geometría. La ciudad la define como un vacío de relaciones abstractas: tráfico y comunicación. La producción de Le Corbusier tomará forma definitiva en la Capilla de Notre-Dame-du-Haut, una obra totalmente plástica.
La crítica, difusión e historiografía han desempeñado un importante papel en la evolución de la arquitectura. La búsqueda de una síntesis arquitectónica queda reducido al estilo. Este estilo es único, internacional y universalmente válido. A partir de entonces, el concepto de Estilo Internacional será sobre el que se debatirá toda la arquitectura contemporánea. Los propios autores piensan que se debe proponer su sustitución por otras novedades. Entonces se piensa que si lo moderno es lo nuevo, que más tarde será viejo, entonces lo viejo también es moderno. Desde este punto de vista podemos enlazar el concepto de Estilo Internacional con la condición posmoderna de la arquitectura, por lo que debemos detenernos en la obra de arquitectos que se enfrentan al rigor de una modernidad programática sin rechazar los logros conseguidos por los modernitas.
